Interpreti Principali

Il cast di Touki Bouki è composto da attori non professionisti, una scelta comune nel cinema africano di quel periodo, che conferisce al film un'autenticità grezza:

• Magaye Niang (Mory): Cattura perfettamente l'inquietudine e la sfrontatezza giovanile. La sua performance è fisica, selvaggia e piena di una disperata energia.

• Mareme Niang (Anta): Offre il contrappunto più freddo e determinato a Mory. Il suo personaggio incarna la volontà di rompere con le convenzioni sociali e di abbracciare la modernità.

Tra gli altri interpreti figurano Aminata Fall (che interpreta Zia Oumy) e Ousseynou Diop (Charlie).

Temi e Interpretazioni

Touki Bouki è un testo complesso e aperto a molteplici letture:

1. Post-Colonialismo e Alienazione: Il film è una potente critica all'alienazione culturale generata dal colonialismo e dalla sua eredità. L'ossessione per Parigi rappresenta l'interiorizzazione del modello culturale dominante e il rifiuto della propria identità africana. Il sogno di "fuga" è in realtà un "viaggio della iena", un titolo che richiama la natura predatoria e parassitaria di chi cerca il successo a spese di altri o delle proprie radici.

2. Il Mito di Ulisse e il Ritorno: La storia è spesso letta come un rovesciamento del mito di Ulisse. I due protagonisti vogliono partire, ma alla fine Mory sceglie inconsciamente il ritorno. La sua fuga finale non è un atto di codardia, ma un istinto di conservazione e un rigetto del miraggio occidentale. La vera libertà non è in Europa, ma nel non cedere alla sua seduzione.

3. La Profezia: Come notato dal celebre regista maliano Souleymane Cissé, Touki Bouki è un film profetico. Già nel 1973, Mambéty anticipava la disperazione dei giovani africani che oggi tentano la traversata del Mediterraneo. Il desiderio di Anta e Mory non è diverso dalle motivazioni dei migranti contemporanei: la ricerca di una vita migliore in Europa, un desiderio spesso alimentato da illusioni e che porta a esiti tragici. Il film è quindi un monito sui pericoli di voltare le spalle alle proprie radici in nome di un sogno illusorio.

Nonostante fosse considerato un film molto controverso e difficile al momento della sua uscita, Touki Bouki è cresciuto in statura critica fino a diventare un'icona:

• Festival di Cannes: Ha vinto il Premio FIPRESCI al Festival di Cannes nel 1973.

• Restauro: Il film è stato restaurato nel 2008 da The Film Foundation’s World Cinema Project di Martin Scorsese in collaborazione con la Cineteca di Bologna, garantendo la sua conservazione per le generazioni future e consolidando il suo status di capolavoro mondiale.

• Influenza: Il suo stile visivo e narrativo ha influenzato innumerevoli registi successivi, ed è regolarmente citato nelle liste dei migliori film africani e dei film essenziali della storia del cinema.

In sintesi, Touki Bouki non è solo un film sulla disperata ricerca di una vita migliore, ma un'opera d'arte complessa che usa uno stile radicale per affrontare temi di identità, consumismo, eredità coloniale e il perenne scontro tra tradizione e modernità in Africa. È un pilastro ineludibile per chiunque voglia comprendere il cinema africano e la sua capacità di riflettere criticamente sulla storia e sul futuro del continente.

raiplay

💡 Temi e Significato Profondo (Oltre le 1000 Parole)

Il settimo sigillo è una complessa allegoria esistenziale che può essere letta attraverso diverse chiavi di volta.

1. La Quête di Dio nel Suo Silenzio

Il tema dominante è l'ansia metafisica di Block di fronte al silenzio di Dio. Il cavaliere ha combattuto per la fede in un Dio che non si è mai manifestato. La sua lotta è quella dell'uomo moderno che, pur avendo rinunciato alla fede dogmatica (rappresentata dal prete fanatico e dalla Chiesa ipocrita), non accetta il vuoto del nichilismo. La sua unica certezza è il suo terrore:

“Voglio che Dio mi tenda la mano, che mi mostri il suo volto, che mi parli. ... Io temo. Il mio terrore è quello che non ci sia nulla.”

La Morte è l'unico interlocutore che dà risposte a Block, ma le risposte della Morte sono vaghe e non risolvono il dilemma del cavaliere.

2. L'Allegoria degli Scacchi e la Fugacità della Vita

La partita a scacchi non è solo una sfida, ma una potente metafora della vita umana. La vita è il tempo concesso tra il primo incontro con la Morte e la conclusione della partita. L'impossibilità di sconfiggere la Morte non rende il gioco privo di senso; al contrario, esalta l'importanza di come si gioca la propria partita. L'atto di Block nel finale, sacrificando il proprio tempo per salvare gli innocenti, rappresenta il culmine della sua ricerca: il senso della vita non si trova nelle risposte trascendenti, ma nell'azione umana concreta e compassionevole.

3. La Speranza Umana e la Famiglia

Bergman suggerisce che l'unica luce in questo buio metafisico sia l'amore umano e la creazione di bellezza. Jof e Mia, la famiglia di artisti, sono l'unica parte del gruppo che viene risparmiata dalla Morte. Essi rappresentano la forza vitale (l'atto di dare la vita al piccolo Mikael) e l'innocenza che si accontenta delle piccole gioie quotidiane (le fragole e il latte), un rifugio dalla paura che domina il resto del mondo. Jof è l'artista che vede la bellezza (la Vergine Maria) e che, pur non avendo la saggezza intellettuale, ha la vera saggezza del cuore.

.

🌟 Eredità e Impatto Culturale

Il settimo sigillo non è solo un classico, ma un film che ha modellato l'immaginario collettivo:

• Iconografia: L'immagine della Morte che gioca a scacchi è diventata immediatamente iconica e universale, oggetto di innumerevoli citazioni, omaggi e parodie (da Woody Allen in Amore e guerra fino a Bill & Ted's Bogus Journey).

• Cinema d'Autore: Ha posto le basi per il cinema esistenziale, influenzando registi successivi nell'esplorazione di temi complessi come la fede, il dubbio e la moralità.

• Contributo al Cast: Ha cementato la partnership tra Bergman e Max von Sydow, che sarebbe diventato l'attore feticcio del regista per molti anni a venire, e ha lanciato la carriera internazionale di Bibi Andersson.

In conclusione, Il settimo sigillo è un'opera atemporale. Sebbene sia ambientato nel Medioevo, affronta le paure e le domande che assillano l'uomo di ogni epoca: la necessità di un significato, la paura del nulla e la possibilità di trovare salvezza non in un Dio distante, ma nell'atto di gentilezza rivolto al prossimo.

youtube/MYMOVIESONE

🎥 Regia: L'Impronta di Denis Villeneuve

Polytechnique è il terzo lungometraggio di Denis Villeneuve e segna un momento cruciale nel suo sviluppo stilistico, anticipando molti dei temi e delle tecniche che lo renderanno celebre a livello internazionale con film come Incendies, Prisoners, Arrival e Blade Runner 2049.

Il Bianco e Nero

La scelta più distintiva è l'uso del bianco e nero. Questa decisione non è solo stilistica; serve a vari scopi narrativi ed emotivi:

1. Distacco e Solennità: Conferisce al film un'atmosfera da documentario storico o da necrologio solenne, sottolineando la serietà e l'importanza dell'evento trattato. Aiuta a spogliare la violenza di qualsiasi fascino sensazionalistico.

2. Omaggio: Dà un senso di atemporalità alla tragedia, trasformandola in un evento universale piuttosto che in un semplice fatto di cronaca.

3. Contrasto Emotivo: Paradossalmente, il bianco e nero accentua il dramma e il trauma, rendendo gli spazi interni dell'università, che dovrebbero essere luoghi di apprendimento, spettrali e freddi.

Stile e Ritmo

Villeneuve adotta uno stile di regia austero, quasi clinico. Le telecamere sono spesso statiche o si muovono lentamente, quasi con riverenza. L'azione è frammentata e silenziosa, enfatizzando l'improvvisa e brutale irruzione del caos in un ambiente ordinario.

Si percepisce un'eco del cinema di Gus Van Sant in Elephant, anch'esso un film che affronta una strage scolastica con uno stile meditativo e non lineare. Tuttavia, Villeneuve mantiene un focus più stretto sull'esperienza dei sopravvissuti, culminando in un epilogo che tenta di dare un senso (o di accettare l'assenza di senso) al trauma.

La durata è volutamente contenuta (77 minuti) per mantenere un ritmo teso e compresso, riflettendo la velocità e la concisione dell'atto violento. La colonna sonora, di Benoît Charest, è utilizzata con parsimonia, intervenendo con momenti di grande tensione emotiva, spesso basati su droni o musiche minimaliste.

La Questione della Violenza

Villeneuve ha dovuto affrontare la difficile sfida di raccontare la violenza senza sfruttarla. La sua scelta è stata quella di mostrarla in modo crudo ma non voyeuristico. I momenti di sparatoria sono rapidi e brutali, ma l'attenzione del regista è sempre sulle vittime e sul loro terrore, piuttosto che sull'aggressore. L'orrore non è nello splatter, ma nell'intenzione e nell'ideologia sessista che lo ha generato.

🎭 Attori e Personaggi Principali

Il cast di Polytechnique è composto principalmente da attori canadesi che hanno offerto interpretazioni intense e misurate.

Karine Vanasse nel ruolo di Valérie

Karine Vanasse (che è stata anche co-produttrice del film e ha contribuito a promuovere l'opera) offre una performance toccante nel ruolo centrale di Valérie. È il volto della resilienza. Il suo personaggio rappresenta non solo le vittime della strage, ma l'intera generazione di donne che, nonostante l'odio, ha continuato a lottare per il proprio posto nel mondo accademico e professionale. Il suo viaggio post-trauma, dalla paura alla determinazione, è l'asse portante del film.

Sébastien Huberdeau nel ruolo di Jean-François

Sébastien Huberdeau interpreta Jean-François, l'altro punto di vista principale tra gli studenti. La sua performance è incentrata sul senso di colpa del sopravvissuto. È l'uomo che si sente fallito per non aver protetto le sue compagne. Il suo dolore è silenzioso, interiore, e lo porta quasi al collasso, simboleggiando il trauma psicologico che investe anche coloro che non sono stati feriti fisicamente.

Maxim Gaudette nel ruolo dell'Assassino

Maxim Gaudette interpreta l'assassino in modo freddo e privo di empatia. Il suo personaggio è un catalizzatore di orrore ideologico. Villeneuve e Gaudette scelgono di non renderlo un mostro da film, ma un uomo patologico e odioso, rendendo il suo gesto ancor più agghiacciante perché umano, troppo umano. La sua figura incarna la misoginia più radicale.

🌍 Contesto e Tematiche: Misoginia e Trauma

Il massacro dell'École Polytechnique è un evento che ha scosso profondamente la società canadese. Non fu solo una sparatoria di massa, ma un atto di terrorismo antifemminista o misogino.

L'Odio di Genere

Il film non lascia dubbi sulla natura del crimine. La dichiarazione del killer di voler colpire le "femministe" rende l'attacco un'azione mirata contro le donne in generale e, nello specifico, contro le donne che osavano invadere e avere successo in un campo tradizionalmente maschile come l'ingegneria.

Polytechnique funziona come un potente monito contro l'odio di genere e l'ideologia misogina, che può degenerare in violenza estrema.

Il Senso di Colpa del Sopravvissuto

Una delle tematiche più potenti esplorate dal film è il trauma duraturo e il senso di colpa di chi è sopravvissuto. Attraverso Jean-François, Villeneuve mostra che le ferite non sono solo quelle fisiche. La lotta per riconciliare il desiderio di vivere con la memoria della morte altrui è straziante.

Il Silenzio e la Memoria

Il film è stato realizzato a vent'anni dalla tragedia. In Québec, l'evento era ancora una ferita aperta, e l'idea di farne un film generò inizialmente delle resistenze. Villeneuve ha superato queste riserve adottando un approccio rispettoso e non sfruttativo. Il film è, in questo senso, un esercizio di memoria collettiva, un modo per affrontare apertamente un dolore che la società aveva in parte cercato di seppellire.

🏆 Impatto e Riconoscimenti

Nonostante il tema difficile e la natura controversa, Polytechnique è stato accolto positivamente dalla critica per la sua integrità artistica e la sua forza emotiva.

• Festival di Cannes: È stato presentato alla Quinzaine des Réalisateurs del Festival di Cannes nel 2009.

• Premi Genie: Il film ha trionfato ai 30° Genie Awards (l'equivalente canadese degli Oscar), vincendo nove premi, tra cui Miglior Film, Miglior Regia (Denis Villeneuve), Miglior Attrice Protagonista (Karine Vanasse) e Miglior Attore Non Protagonista (Maxim Gaudette).

L'impatto culturale del film è stato significativo. Ha riacceso la discussione sul controllo delle armi in Canada e sulla persistenza della misoginia nella società. Il film è visto come un atto di coraggio e un pezzo necessario nella cronaca di una nazione.

Polytechnique di Denis Villeneuve è molto più di una ricostruzione storica. È una meditazione lucida e straziante sulla violenza ideologica, sulla fragilità della vita in un contesto di odio e sulla profonda e duratura cicatrice che il trauma lascia sui sopravvissuti e sull'intera comunità. La scelta del bianco e nero, unita alla regia misurata e focalizzata sull'umanità spezzata dei personaggi, eleva il film ben oltre il genere della docu-fiction, consacrandolo come un'opera d'arte necessaria e commovente.

Il film si conclude con una scena di speranza e al contempo di eterna malinconia: Valérie, incinta e ingegnere, contempla il futuro. La vita continua, ma la memoria della strage rimane, un monito silente contro l'odio.

mubi

💔 Trama: Rabbia, Istinto Paterno e Perdono Impossibile

La trama di Una figlia è un intenso dramma familiare che si sviluppa attorno alla figura di Pietro (interpretato da Stefano Accorsi), un uomo che, dopo aver perso la moglie, si ritrova a crescere da solo la figlia adolescente, Sofia (Ginevra Francesconi), stabilendo con lei un rapporto di esclusività e profonda devozione.

Il loro legame, totalizzante quanto fragile, viene scosso quando Pietro decide, a distanza di alcuni anni, di rifarsi una vita e intraprendere una relazione stabile con Chiara (Thony), l'infermiera che aveva assistito la moglie negli ultimi momenti della malattia.

Sofia vive l'arrivo di Chiara non solo come l'ingresso di una "sostituta" nella vita del padre e nella sua, ma anche come un vero e proprio tradimento del ricordo della madre. L'adolescente, già in una fase di ribellione e ricerca di sé, non accetta in alcun modo la presenza della nuova compagna. La sua reazione alla situazione è esplosiva e culmina in un evento tragico e sconvolgente: accecata dall'odio e dal risentimento, Sofia accoltella mortalmente Chiara, che per di più è incinta di un figlio di Pietro.

L'atto violento porta Sofia in prigione e distrugge per la seconda volta la vita di Pietro. L'uomo, che ha perso in un colpo solo la compagna e il figlio che portava in grembo, si ritrova davanti a una scelta morale atroce: rinnegare la figlia omicida o tentare l'impossibile perdono e restarle accanto?

Il film si concentra sul travaglio interiore di Pietro, diviso tra la rabbia devastante per il crimine commesso e il suo inestinguibile istinto paterno. L'avvocatessa di Pietro, Mariella (Michela Cescon), cerca più volte di convincerlo a riprendere i rapporti e ad assumersi l'affido della figlia, che nel frattempo, pur in stato di detenzione, dà alla luce una bambina, Rosa. La chiusura del film, con un finale aperto, lascia allo spettatore il compito di riflettere sulla possibilità e sui limiti dell'amore paterno in circostanze estreme.

Stefano Accorsi interpreta Pietro con una sensibilità che cattura la complessità del suo dramma: un genitore che non può mai smettere di esserlo, anche quando la ragione e il dolore lo spingerebbero a voltare le spalle. L'attore stesso ha sottolineato come il film "non è a tesi" ma interroga lo spettatore sul rapporto genitori e figli.

Ginevra Francesconi, nonostante la giovane età, offre una prova notevole nel ruolo di Sofia, riuscendo a restituire la fragilità e la disperazione di un'adolescente che ha commesso un errore irreparabile.

Una figlia ha avuto il suo debutto in anteprima al Bari International Film Festival (BIF&ST) 2025.

La distribuzione nelle sale cinematografiche italiane è avvenuta a cura di 01 Distribution, con data di uscita fissata per il 24 aprile 2025. Successivamente, il film ha avuto la sua prima visione TV, diventando disponibile in streaming su piattaforme come Sky Cinema Uno e NOW, confermando il suo percorso tra festival, sala e piattaforme on demand.

Il film ha ricevuto alcune candidature importanti, tra cui:

• Nastro d'argento al miglior soggetto (a Ivano De Matteo)

• Nastro d'argento al miglior sonoro in presa diretta (a Mario Iaquone e Emanuele Giunta)

Tematiche Chiave e Impatto

Il film affronta temi di grande attualità e impatto emotivo:

1. L'Amore Pieno di Lutto: Il rapporto iniziale tra Pietro e Sofia è totalizzante e simbiotico, spesso tipico delle dinamiche tra genitore single e figlio, ma si rivela patologicamente fragile, costruito su un lutto non elaborato.

2. L'Odio e il Perdono: Il nucleo centrale è la lotta tra l'odio per l'atto compiuto dalla figlia e l'amore genitoriale che "non può mai smettere di essere genitore, qualunque cosa accada" (citando una frase presente nel trailer). De Matteo non idealizza la situazione, ma costringe lo spettatore a confrontarsi con i limiti del perdono.

3. Il Sistema Carcerario e la Maternità in Prigione: La narrazione tocca anche la realtà della detenzione minorile e la maternità in carcere, un aspetto che il regista ha voluto trattare con crudo realismo, evitando rappresentazioni edulcorate o idealizzate.

Una figlia si configura come un'opera cinematografica che va oltre la cronaca nera, diventando un profondo studio psicologico sul dolore, sulla responsabilità genitoriale e sul dilemma morale di un padre costretto a scegliere tra giustizia e cuore. È un film che, come molti lavori di De Matteo, "fa male" perché riflette le incertezze e le tragedie inspiegabili della vita contemporanea.

sky/now

🎥 Regia: Lo Sguardo di Anton Corbijn

La regia di Anton Corbijn è l'elemento che conferisce al film la sua impronta più distintiva. Corbijn, olandese, è egli stesso un fotografo di fama mondiale, noto soprattutto per i suoi ritratti iconici di musicisti (dai Depeche Mode agli U2), caratterizzati da un'estetica in bianco e nero e un approccio intimo e malinconico. Questa sua sensibilità fotografica permea ogni inquadratura di Life.

La Fotografia e l'Atmosfera

La direzione della fotografia, curata da Charlotte Bruus Christensen, è magnifica, ricreando l'estetica e l'atmosfera degli Anni '50. Il film è visivamente ricco, con una palette di colori caldi e polverosi che richiamano l'immagine stampata. Corbijn utilizza l'inquadratura con la precisione di un fotografo, prestando estrema attenzione alla composizione e alla luce, spesso valorizzando gli spazi vuoti attorno ai personaggi per sottolinearne l'isolamento.

La pellicola è ricca di riferimenti diretti alle foto di Stock, ma il regista le inserisce nel flusso narrativo in modo organico, mostrando la genesi creativa dietro l'immagine. Lo spettatore assiste al momento esatto in cui il fotografo inquadra, un making-of delle future icone.

Il Ritmo Contemplativo

Come in altri suoi film (Control, The American), Corbijn adotta un ritmo lento e meditativo. Il film non è guidato dall'azione o da grandi eventi drammatici (eccetto la consapevolezza del destino di Dean), ma dall'evoluzione psicologica e dall'atmosfera. L'obiettivo non è il fatto eclatante, ma l'intimità del processo artistico e umano.

Questo approccio contemplativo è stato talvolta criticato per aver reso il film "freddo" o "asettico", ma in realtà serve a demitizzare James Dean. Corbijn ci presenta un uomo ordinario, con le sue insicurezze e la sua insofferenza, che solo attraverso l'occhio del fotografo e il filtro della morte si trasformerà in un'icona immortale.

🎭 Attori e Interpretazioni

La riuscita del film dipende in gran parte dalla chimica e dalla performance dei due protagonisti, i quali hanno dovuto confrontarsi con la sfida di interpretare figure reali molto conosciute.

Dane DeHaan nel ruolo di James Dean

Dane DeHaan ha affrontato il compito estremamente difficile di incarnare un'icona leggendaria senza cadere nella mera imitazione. La sua interpretazione è sottile e misurata. DeHaan non tenta di replicare in modo pedissequo i manierismi di Dean, ma ne cattura lo spirito: l'aria eternamente stanca, lo sguardo sornione, la voce roca e la sua disarmante awkwardness sociale. Riesce a rendere credibile sia l'attore di talento che l'uomo di campagna, diviso tra il glamour tossico di Hollywood e la semplicità della sua fattoria in Indiana.

Robert Pattinson nel ruolo di Dennis Stock

Robert Pattinson offre una delle sue interpretazioni più solide e mature del periodo post-Twilight. Il suo Dennis Stock è un uomo in preda all'ansia, un professionista in bilico tra la necessità di produrre un lavoro di successo e il desiderio di autenticità artistica. È l'elemento trainante della storia, il suo è un ritratto di ambizione e frustrazione. Pattinson interpreta Stock con una tensione nervosa palpabile, bilanciando perfettamente l'aura sfuggente di DeHaan/Dean.

Il Cast di Supporto

Un'interpretazione notevole è quella di Ben Kingsley nei panni del potente e irascibile producer di Warner Bros., Jack L. Warner, che rappresenta il mondo del vecchio sistema di Hollywood che Dean sta involontariamente contribuendo a smantellare. Joel Edgerton interpreta il cinico fotografo di Life John G. Morris, che funge da mentore e da pungolo per Stock.

🎨 Temi Centrali: Fama, Autenticità e l'Arte del Ritratto

Life è una profonda riflessione su diversi temi cruciali:

• La Nascita del Mito: Il film non si limita a raccontare la vita di Dean, ma analizza il processo attraverso il quale l'uomo comune viene trasformato in un'icona. Le foto di Stock, realizzate pochi mesi prima della morte di Dean, hanno cristallizzato per sempre la sua immagine di outsider ribelle e malinconico. Il film mostra come l'arte, in questo caso la fotografia, possa elevare un individuo al di sopra della sua stessa mortalità.

• L'Anti-Hollywood: Life è una critica implicita al sistema di Hollywood degli anni '50, un mondo di pubblicità forzata e di glamour artefatto, che Dean rifiuta. Dean rappresenta la ricerca di qualcosa di vero, di non commerciale, in un'epoca in cui la "personalità" era ancora plasmata dallo studio.

• La Fama come Prigione: Dean è già insofferente alla fama imminente. Il film suggerisce che l'esposizione pubblica è un peso, un'interferenza con la vita privata che l'attore cerca disperatamente di preservare, soprattutto nel rifugio della sua infanzia in Indiana.

In conclusione, Life è un film biografico atipico e sofisticato. Sotto la direzione esperta di un fotografo prestato alla regia, l'opera si concentra sul breve ma fondamentale crossroad umano e artistico tra un'icona nascente e l'uomo che, con il suo obiettivo, ne ha immortalato l'anima, rendendola immortale.

prime

🎬 Regia e Stile: Il Melodramma Classico di Vincent Sherman

Vincent Sherman (1906–2006) è stato un regista esperto e prolifico, noto per la sua capacità di dirigere melodrammi ricchi di tensione e caratterizzati da forti interpreti femminili (come Joan Crawford e Bette Davis). I segreti di Filadelfia è un esempio tardo e brillante di questo genere.

Un Film "Industriale" Ben Fatto

Il film rispecchia la "formula narrativa-rappresentativa industriale" di Hollywood: è un prodotto ben confezionato dalla Warner Bros., lungo (136 minuti), con una trama ricca di colpi di scena e un cast di prim'ordine. Sherman dirige con mano sicura, mantenendo un ritmo incalzante nonostante la lunga durata, tipica dei polpettoni dell'epoca.

La Fotografia in Bianco e Nero

Il film è girato in uno splendido bianco e nero, curato dal direttore della fotografia Harry Stradling Sr. (che ottenne una nomination all'Oscar per questo lavoro). Questa scelta non era più la norma nel 1959, quando la maggior parte dei drammi di prestigio passava al colore. Tuttavia, il bianco e nero conferisce al film un'atmosfera di solennità, di austera eleganza e drammaticità, accentuando i contrasti sociali e morali, rendendo i costumi formali dell'alta società e l'ambiente del tribunale particolarmente suggestivi.

Il Contesto Storico-Sociale

Sherman utilizza Filadelfia come una metafora della stratificazione sociale americana. L'architettura imponente, i club esclusivi e gli uffici legali austeri fungono da sfondo per un dramma che esplora la lotta di classe e la corruzione morale celata sotto una facciata di rispettabilità. Il film tocca temi moderni per l'epoca, come l'alcolismo (Chet Gwynn) e, in modo molto sottile (sebbene accennato più apertamente nel romanzo), la questione dell'omosessualità in relazione al personaggio di William Lawrence III.

🎭 Attori e Performance: Newman e Vaughn

Il successo del film si deve in gran parte al suo cast, dominato dal magnetismo di Paul Newman.

Paul Newman nel ruolo di Anthony Lawrence

Paul Newman (Anthony "Tony" Judson Lawrence) è all'apice del suo fascino e del suo potere interpretativo. Aveva già recitato in film come La lunga estate calda (1958) e La gatta sul tetto che scotta (1958), costruendo la sua persona cinematografica di "giovane arrabbiato" ma di bell'aspetto. In I segreti di Filadelfia, interpreta un ruolo complesso e ambiguo: cinico e arrivista nella prima parte, ma con un nucleo di integrità che riemerge nel finale. Il suo carisma tiene insieme le diverse sottotrame e ne fa un personaggio memorabile.

🌟 Gli Attori e le Loro Performance

Il film è costruito in gran parte sulla chimica e sul contrasto dei suoi due protagonisti, affiancati da un notevole cast di supporto:

• Riccardo Scamarcio offre una delle sue interpretazioni più lodate nel ruolo di Matteo. Riesce a rendere credibile e non solo superficiale l'imprenditore affascinante e solare, mostrando la fragilità e l'ansia che si nascondono dietro la sua facciata di successo e la sua disperata necessità di controllo.

• Valerio Mastandrea incarna perfettamente la malinconia e l'integrità di Ettore. La sua recitazione, misurata e sottile, cattura il disagio dell'uomo di provincia catapultato nell'eccesso romano, e la sua dolorosa e inconsapevole lotta contro la malattia. Il suo ruolo bilancia l'esuberanza di Scamarcio, fornendo il necessario ancoraggio emotivo al dramma.

• Il cast di supporto è fondamentale per delineare l'ambiente dei protagonisti. Isabella Ferrari interpreta Michela, l'ex moglie di Ettore, mentre Valentina Cervi è Tatiana, la compagna di Matteo, figure che completano il quadro delle relazioni complesse e sfuggenti.

• Jasmine Trinca, già protagonista in Miele, appare nel ruolo di Elena, e Marzia Ubaldi interpreta la madre dei due fratelli, aggiungendo profondità e realismo al contesto familiare e alle dinamiche affettive.

Il film è spesso descritto come "innamorato dei suoi attori", poiché la Golino si concentra a lungo sui loro volti e sulle loro interazioni, permettendo alle performance di guidare la narrazione emotiva.

🏆 Riconoscimenti e Impatto

Euforia è stato molto apprezzato per la sua sceneggiatura equilibrata e la regia matura di Valeria Golino, ottenendo diverse candidature ai David di Donatello (tra cui Miglior Film, Miglior Regista e Miglior Attore Protagonista per Scamarcio) e ai Nastri d'Argento.

Il film non è solo una storia di malattia, ma una profonda riflessione sulla fratellanza, sulla menzogna necessaria e sul modo in cui l'avvicinarsi della fine costringe le persone a confrontarsi con la verità del proprio legame.

mubi

🎥 Regia e Visione Artistica: Dan Trachtenberg

Dan Trachtenberg (noto per 10 Cloverfield Lane) dirige il film con una visione chiara: tornare all'essenza del franchise, concentrandosi sul concetto primordiale della caccia e del "cacciatore contro la preda".

• Atmosfera e Tensione: Trachtenberg crea un'atmosfera tesa e misurata, che ricorda da vicino il tono e lo stile del classico Predator del 1987. La tensione si costruisce gradualmente, mostrando l'alieno in modo sfuggente e misterioso.

• Estetica Western/Survival: Il film ha un forte respiro da film di sopravvivenza e, a tratti, da Western, enfatizzando la vastità e la bellezza spietata della natura selvaggia (la fotografia di Jeff Cutter è stata molto apprezzata).

• Focus sulla Cultura Comanche: Un aspetto cruciale è l'approccio alla cultura dei Nativi Americani. Trachtenberg, con l'aiuto della produttrice Jhane Myers (membro delle nazioni Comanche e Blackfeet), ha cercato l'autenticità. Il film è stato girato in inglese, ma per la prima volta nella storia del cinema, è stato rilasciato con un'opzione di doppiaggio completo nella lingua Comanche, un gesto significativo per l'inclusione culturale e l'autenticità.

🎭 Attori e Personaggi Chiave

• Amber Midthunder (Naru): È il cuore pulsante del film. La sua performance è stata universalmente lodata. Naru non è una supereroina, ma una guerriera intelligente, resiliente e determinata, che usa l'osservazione e l'adattamento come sue armi principali. Midthunder, di discendenza nativa americana, porta una credibilità e un carisma eccezionali al ruolo.

• Dakota Beavers (Taabe): Fratello di Naru e cacciatore stimato della tribù. Il loro rapporto, inizialmente segnato dalla rivalità e dal desiderio di Naru di dimostrare il suo valore, si evolve in un'alleanza cruciale contro il Predator.

• Dane DiLiegro (Il Predator/Feral Predator): Ex giocatore di basket, DiLiegro offre una presenza fisica imponente all'alieno. Questo Predator, soprannominato "Feral Predator" dai fan, ha un design distintivo e un approccio alla caccia più primordiale, che si abbina perfettamente all'ambientazione.

🌟 Altro: Successo, Critica e Impatto

• Accoglienza Critica: Prey è stato acclamato dalla critica come il miglior film di Predator dai tempi dell'originale del 1987. Su aggregatori come Rotten Tomatoes, ha raggiunto un punteggio estremamente alto (94% al momento della scrittura), lodato per la sua tensione, la regia e l'interpretazione di Midthunder.

• Temi: Il film esplora il tema della caccia da molteplici angolazioni: non è solo uno scontro di forza, ma di intelligenza e adattamento. Sottolinea come l'astuzia e la conoscenza dell'ambiente possano superare la tecnologia e la potenza bruta. Il ribaltamento dei ruoli, con l'umano che diventa cacciatore e non solo preda, è un elemento centrale.

• Finale: Il finale del film si ricollega in modo sottile al franchise: Naru ottiene la pistola a pietra focaia del colono francese Raphael Adolini. Questa stessa pistola, molti secoli dopo, appare in Predator 2 (1990) come un trofeo offerto al detective Mike Harrigan da un Predator. Questo dettaglio lega Prey direttamente alla mitologia esistente.

• Successo di Streaming: Uscito direttamente su Disney+ (Hulu), il film è stato un enorme successo di streaming, diventando il film o serie TV più visto di sempre sulla piattaforma Hulu nelle sue prime 3 giorni dal lancio.

disney+

• .

📜 Trama: Innocenza Sedotta e Tradita

La signora di Shanghai è la storia classica di un uomo onesto che viene sedotto e intrappolato in una ragnatela di menzogne e omicidi da una femme fatale.

1. L'Incontro Fatale: La storia si apre a New York, a Central Park, dove Michael O'Hara (interpretato da Orson Welles), un marinaio irlandese disoccupato, dal cuore onesto ma anche ingenuo, salva la bellissima e misteriosa Elsa Bannister (Rita Hayworth) da un'aggressione.

2. L'Assunzione: Il marito di Elsa, Arthur Bannister (Everett Sloane, già in Quarto Potere), un celebre e potente avvocato penalista, ricco e claudicante, assume Michael come marinaio sul suo lussuoso yacht. A bordo, Michael si ritrova subito in un ambiente saturo di sospetto, ambiguità e velata ostilità.

3. La Trappola: Durante una crociera che tocca Acapulco e San Francisco, Michael si innamora perdutamente di Elsa. La donna, pur ricambiando (apparentemente) l'attrazione, è il catalizzatore dell'intrigo. Il socio di Bannister, il nevrotico e inquietante George Grisby (Glenn Anders), propone a Michael un piano folle: inscenare la sua finta morte per riscuotere un premio assicurativo e fuggire. Michael accetta, credendo che questo gli darà i soldi necessari per fuggire con Elsa.

4. Il Tradimento: Naturalmente, il finto piano si rivela un vero e proprio omicidio. Grisby viene trovato morto e Michael si ritrova incastrato e accusato. Arthur Bannister, pur essendo la sua vittima designata, assume la difesa di Michael, non per salvarlo, ma in un macabro gioco diabolico per farlo condannare, convinto che Michael abbia avuto una relazione con la moglie.

5. La Fuga e la Rivelazione Finale: Dopo una drammatica udienza in tribunale, Michael riesce a fuggire. La sua fuga lo conduce a Chinatown e, infine, al luogo iconico del finale: la Sala degli Specchi in un parco di divertimenti abbandonato. Qui, Michael, Arthur ed Elsa si confrontano nel momento della verità.

La sequenza finale nella Sala degli Specchi è considerata una delle scene più celebri e significative dell'intera storia del cinema. Gli specchi moltiplicano all'infinito i personaggi, confondendo la realtà, l'identità e la colpa, e riflettendo il tema noir della paranoia e del doppio gioco. Michael scoprirà l'orribile verità: non era Grisby o Bannister, ma Elsa, la sua adorata femme fatale, ad aver orchestrato l'omicidio per liberarsi del marito e ottenere il denaro.

.

🌟 Attori e Personaggi

Il film è dominato dall'alchimia (reale e cinematografica) e dal conflitto tra i due protagonisti, con un eccellente cast di supporto che incarna la corruzione e la stranezza del mondo noir.

• Orson Welles (Michael O'Hara): Michael è l'archetipo dell'uomo comune ingenuo, l'outsider che viene fatalmente attratto dal mondo della ricchezza e del vizio. Welles, con il suo marcato accento irlandese e la sua figura imponente, rende credibile il marinaio innamorato, ma anche la sua disperata confusione. La sua ultima battuta, amara e disincantata, riassume il nichilismo del noir: "Forse vivrò abbastanza a lungo da dimenticarla. Forse. Forse non vivrò abbastanza a lungo."

• Rita Hayworth (Elsa Bannister): La sua performance è un'icona della femme fatale. Elsa non è solo bella; è calcolatrice, fredda e manipolatrice. Il look biondo platino e i capelli corti hanno rimosso la sua vulnerabilità precedente, lasciando solo la perfezione glaciale della donna che è "nata per il denaro". Il film è un epitaffio della relazione tra Welles e la Hayworth, che erano in fase di divorzio durante la produzione, e questa tensione traspare sullo schermo.

• Everett Sloane (Arthur Bannister): L'attore, un veterano della compagnia teatrale di Welles (il Mercury Theatre), interpreta l'inquietante Arthur Bannister, un potente avvocato con disabilità fisiche (costretto a usare due bastoni) che amplificano la sua crudeltà e il suo senso di dominio. Bannister è sia una vittima che un carnefice, profondamente innamorato e geloso di Elsa, ma anche un maestro manipolatore, che orchestra la sua stessa vendetta.

• Glenn Anders (George Grisby): La performance di Anders è volutamente sopra le righe. Grisby è nevrotico, sudato e barnumiano, il simbolo della follia e del cinismo che permeano l'alta società, un personaggio che sembra uscito direttamente da un incubo.

🌊 Temi e Eredità

• Nichilismo e Corruzione: La signora di Shanghai è un'analisi spietata del potere del denaro e della corruzione morale. Tutti i personaggi che circondano Michael sono "pescecani" che vivono ai margini della legge, con la ricchezza che funge da schermo per la loro depravazione.

• L'Impossibilità dell'Innocenza: Il tema centrale è l'impossibilità dell'innocenza di sopravvivere nel mondo malato. Michael è un "pesce fuor d'acqua", il cui unico errore è stato innamorarsi della persona sbagliata, un errore che lo porta alla quasi distruzione.

• Le Acque Velate: L'acqua è un motivo visivo ricorrente (la crociera, l'acquario, i dialoghi nel porto), che simboleggia l'incertezza, il pericolo e il senso di annegamento emotivo in cui si trova il protagonista. La famosa scena nell'acquario a San Francisco, con i personaggi divisi da vetri pieni d'acqua e l'ombra di uno squalo, è una metafora cristallina della loro relazione predatoria.

Nonostante i tagli dello studio, che compromisero la fluidità di alcune parti della trama (rendendola a tratti volutamente confusa), La signora di Shanghai è oggi celebrato come un capolavoro visivo e uno dei noir più weird e geniali della storia del cinema.

youtube e noleggio

📜 Trama: Gioielli, Doppi Giochi e Paranoia

Il film è basato sull'omonimo fumetto creato da Peter O'Donnell e Jim Holdaway.

Modesty Blaise è un'affascinante e intelligente ex criminale internazionale, la cui vita avventurosa e burrascosa le ha conferito abilità straordinarie nel combattimento, nella strategia e nel travestimento. Dopo aver lasciato la carriera criminale ed essere diventata una rispettabile cittadina britannica, viene richiamata in servizio:

1. L'Incarico: L'Intelligence Service britannico, rappresentato da Sir Gerald Tarrant (Harry Andrews), la recluta per un incarico di vitale importanza. Modesty deve proteggere una gigantesca spedizione di diamanti destinati a uno sceicco del Medio Oriente.

2. L'Avversario: Il suo rivale è il perfido e teatrale criminale, Gabriel Fothergill (Dirk Bogarde), un villain biondo platinato con tendenze camp e una banda di fedeli scagnozzi, tra cui la micidiale Mrs. Fothergill (Rossella Falk). Gabriel, che vive su un'isola fortezza nel Mediterraneo, è ossessionato dal furto dei diamanti.

3. Il Partner: Modesty è affiancata dal suo inseparabile partner, complice e fedelissimo amico, Willie Garvin (Terence Stamp), un esperto nel lancio del coltello e nel combattimento corpo a corpo.

4. L'Intrigo: La trama si dipana attraverso una serie frenetica di inseguimenti, doppi giochi, travestimenti, agguati e scazzottate che si svolgono in location esotiche (tra cui l'Inghilterra, i Paesi Bassi e l'Italia meridionale - Campania e Sicilia). Il film gioca costantemente con le aspettative, con colpi di scena assurdi e un senso di auto-ironia che non abbandona mai i personaggi.

La storia è, in realtà, un pretesto per la parata di gag visive e per esplorare la dinamica tra Modesty e Willie, un rapporto di profonda stima e attrazione, ma che il film tende a rendere più esplicito e canzonatorio rispetto alla fonte originale.

🌟 Gli Attori e il Loro Ruolo Iconico

Il film deve gran parte del suo fascino al cast stellare, un mix di talento europeo e britannico:

• Monica Vitti nel ruolo di Modesty Blaise: È il cuore e l'anima del film, sebbene sia stata la sua prima (e unica) parte in inglese e sebbene si dicesse che Michelangelo Antonioni l'avesse sconsigliata. La Vitti porta in Modesty una bellezza enigmatica, una grazia felina e una comicità inaspettata. La sua Modesty è più fashion model che spia dura e pura, e questo la rende perfetta per l'approccio pop di Losey. I suoi continui cambi d'abito e le sue espressioni giocose sono diventate iconiche.

• Terence Stamp come Willie Garvin: L'attore New Wave britannico incarna l'abile e taciturno partner di Modesty. Stamp porta un look da ragazzo ribelle e una disinvoltura fisica che lo rendono un perfetto antieroe. Il suo Willie Garvin è un eroe d'azione con un tocco cool e una devozione assoluta per Modesty.

• Dirk Bogarde come Gabriel Fothergill: Bogarde, attore di grande spessore, si diverte nel ruolo del villain esagerato. Il suo Gabriel, con i suoi abiti eccentrici, i suoi modi affettati e la sua parrucca bionda, è la quintessenza del cattivo Bondiano portato all'eccesso. È l'elemento più apertamente camp del film.

• Rossella Falk come Mrs. Fothergill: L'attrice italiana aggiunge un tocco di eleganza noir come la compagna di Gabriel, una femme fatale che è spesso più spietata del suo capo.

• Altri Contributi: Il cast include anche una giovanissima Tina Aumont e attori italiani come Scilla Gabel e Saro Urzì (che interpreta Basilio), a testimonianza della coproduzione internazionale e del sapore europeo del film. Da notare anche la comparsa del mago italiano Silvan in una piccola parte.

🏆 Accoglienza e Eredità Culturale

• Accoglienza Iniziale: Modesty Blaise fu un flop al botteghino e fu accolto freddamente dalla critica, che non seppe (o non volle) capire il suo stile ibrido e parodistico. Fu accusato di essere confusionario, troppo colorato e troppo distante dal fumetto originale.

• Eredità e Rivalutazione: Con il passare del tempo, il film ha sviluppato uno status di cult-movie. È stato riconosciuto come un'opera chiave del cinema pop e camp degli anni '60, un gioiello stilistico che ha anticipato certe sensibilità. Il regista Quentin Tarantino, in particolare, lo ha elogiato per il suo approccio grafico e ha più volte citato la sua intenzione di realizzare il proprio adattamento di Modesty Blaise (un progetto che non si è mai concretizzato).

In sintesi, Modesty Blaise - La bellissima che uccide è un'esplosione cinematografica di colori, stile e auto-ironia, un'opera audace e imperfetta che merita di essere riscoperta come un'espressione unica della cultura Pop degli anni Sessanta.

youtube

📜 Trama: Le Tre Pioniere e L'Occhio sulla Tragedia

Il documentario ricostruisce le vite parallele e gli incroci professionali di tre donne straordinarie che, verso la fine della Seconda Guerra Mondiale, furono le prime ad ottenere l'accredito ufficiale come fotoreporter e corrispondenti sul fronte europeo per la stampa americana, sfidando un sistema dominato dagli uomini:

1. Martha Gellhorn (1908-1998): Una delle più grandi corrispondenti di guerra del XX secolo, già con esperienza dalla Guerra Civile Spagnola. Nota per il suo carattere indomito (e per essere stata la moglie di Ernest Hemingway, una relazione che lasciò per dedicarsi alla sua carriera), Gellhorn fu costantemente ostacolata dalle autorità militari e dalla burocrazia maschilista. Riuscì a sbarcare in Normandia un giorno dopo il D-Day come clandestina, portando un reportage crudo e personale. La sua voce nel film è quella della scrittrice che testimonia l'orrore con rabbia e lucidità.

2. Margaret Bourke-White (1904-1971): Fotografa di punta per la rivista Life, e la prima donna ad essere accreditata come fotografa di guerra dall'esercito statunitense. Bourke-White è l'incarnazione del giornalismo professionistico d'élite. Fu l'unica fotografa straniera a Mosca quando i tedeschi attaccarono e le sue foto furono fondamentali per mostrare al pubblico americano il vero costo umano degli eventi. Il documentario ne sottolinea l'abilità tecnica e la determinazione nel farsi strada in un ambiente precluso alle donne. La sua testimonianza diretta e visiva della liberazione del campo di concentramento di Buchenwald fu un momento cruciale nella sua carriera e nella percezione pubblica dell'Olocausto.

3. Lee Miller (1907-1977): Ex modella surrealista e musa di Man Ray, Lee Miller passò dal glamour all'orrore, lavorando come fotografa per Vogue. Il suo lavoro fu particolarmente incisivo nel mostrare la guerra con una sensibilità diversa. La sua fotografia più iconica, in cui si ritrae nuda nella vasca da bagno di Adolf Hitler a Monaco poco dopo la sua caduta, simboleggia l'atto di appropriazione e dissacrazione del potere nazista. Miller assistette alla liberazione dei campi di Dachau e Buchenwald, e il documentario evidenzia come l'orrore che vide la segnò profondamente, portandola, al ritorno a casa, a depressione e alcolismo, e al silenzio totale sulla sua esperienza.

L'Oggetto del Racconto: Non La Guerra, Ma Il Suo Impatto

Il documentario segue le loro traiettorie, spesso convergenti negli uffici stampa delle città bombardate come Colonia, Lipsia e Monaco. L'apice emotivo e tematico del film è la documentazione della liberazione dei campi di concentramento (Ravensbrück, Buchenwald, Dachau). È attraverso l'obiettivo di queste donne che le atrocità indicibili della Shoah vengono fissate per sempre nella storia e nella coscienza collettiva occidentale.

🌟 Protagoniste (Non Attori) e Voci Narranti

Trattandosi di un documentario d'archivio, non ci sono "attori" nel senso tradizionale. Le vere protagoniste sono:

• Martha Gellhorn, Margaret Bourke-White e Lee Miller.

• Il film utilizza narratori (voci fuori campo, in originale lette da attori) per dare corpo e voce ai loro scritti personali e ai loro reportage, permettendo al pubblico di accedere ai loro pensieri più intimi e alle reazioni emotive di fronte alla brutalità.

• .

🎖️ Temi e Riconoscimenti

Il film tocca temi di straordinaria rilevanza:

1. Il Prezzo della Testimonianza: Il documentario mostra l'enorme costo psicologico che queste donne pagarono per il loro coraggio. L'eccitazione iniziale dell'essere "dentro la Storia" si trasforma in un incubo di frustrazione, rabbia e traumi duraturi, dimostrando che l'empatia femminile non le rendeva "troppo sensibili" ma più capaci di cogliere la vera natura della tragedia.

2. Lotta al Sessismo: Viene evidenziata la costante battaglia che dovettero affrontare per ottenere l'accesso al fronte, il loro continuo "tenere il passo con i ragazzi" e l'ostilità di una burocrazia militare che non le voleva in prima linea.

3. L'Eredità Fotografica: Il film è un omaggio al loro contributo nel plasmare il moderno fotogiornalismo di guerra, introducendo una sensibilità che ha cambiato per sempre la percezione dei conflitti.

Tre Donne, Una Guerra è stato presentato in diversi festival internazionali, tra cui la Festa del Cinema di Roma (sezione Freestyle) e l'IDFA (International Documentary Film Festival Amsterdam), ed è stato acclamato dalla critica come un'opera vitale e necessaria per riconoscere il ruolo delle donne nel riportare la verità della guerra.

prime

🎭 Cast e Personaggi: De Niro in un Doppio Ruolo Iconico

Il cuore pulsante del film è l'eccezionale interpretazione di Robert De Niro, che affronta un'impresa rara e affascinante: interpretare un doppio ruolo nei panni dei due boss protagonisti. De Niro incarna sia Vito Genovese che Frank Costello, due personalità complesse e in netto contrasto tra loro, permettendo all'attore di esplorare le diverse facce del potere criminale.

Robert De Niro nei panni di:

1. Frank Costello: Boss della famiglia Luciano (che diventerà poi la famiglia Genovese). Viene descritto come il boss più accorto, diplomatico e razionale. Un uomo che preferisce risolvere i problemi con pazienza e dialogo, un "affarista" che cerca di muoversi con cautela nel mondo della malavita e della politica.

2. Vito Genovese: Boss emergente (e poi capo della stessa famiglia Genovese). È l'antitesi di Costello: avventato, incontenibile, iracondo e violento. La sua sete di potere lo spinge a un'azione drastica che scatenerà la guerra tra le cosche.

Il Cast di Supporto:

Il resto del cast è composto da attori noti e capaci di dare spessore ai personaggi storici e di contorno:

• Debra Messing interpreta Bobbie Costello, la moglie di Frank Costello.

• Kathrine Narducci (già vista in I Soprano e The Irishman) è Anna Genovese, la moglie di Vito Genovese.

• Cosmo Jarvis è Vincent "The Chin" Gigante, un giovane e promettente soldato nella famiglia di Vito, destinato a diventare una figura di spicco.

• Michael Rispoli è Albert Anastasia, altro noto boss mafioso dell'epoca.

• Wallace Langham è il Senatore Estes Kefauver, noto per le sue indagini sulla criminalità organizzata.

📖 Trama: Amicizia, Tradimento e Guerra di Mafia

La storia è ambientata principalmente nella New York degli anni '50 e si basa su eventi realmente accaduti, concentrandosi sulla sanguinosa rivalità tra due ex amici e partner d'affari che si ritrovano a lottare per il dominio del crimine organizzato.

Frank Costello e Vito Genovese sono cresciuti insieme nei quartieri poveri di New York, costruendo la loro carriera criminale fianco a fianco, scalando i ranghi della Mafia italo-americana (inizialmente all'interno della famiglia Luciano, sotto la guida di Charles "Lucky" Luciano).

Il loro legame fraterno si spezza a causa della sete di potere e delle differenze caratteriali:

1. La Scissione del Potere: Quando Vito Genovese è costretto a fuggire in Italia per sfuggire a un'accusa di omicidio (prima di essere estradato e poi prosciolto), Frank Costello consolida il suo potere, prendendo il controllo della famiglia.

2. Il Ritorno e l'Attrito: Al ritorno di Genovese negli Stati Uniti, egli si aspetta di riprendere il suo posto di diritto, ma Costello si rifiuta di cedergli il pieno controllo. L'attrito tra i due diventa una guerra aperta per il titolo di "capo di tutti i capi" della Mafia.

3. L'Attentato del 1957: La tensione raggiunge il culmine nel 1957. Genovese, desideroso di consolidare il suo potere ed eliminare l'ultima resistenza, ordina l'assassinio di Costello. Frank Costello viene colpito da un sicario, Vincent Gigante, fuori dal suo appartamento nell'Upper East Side di New York.

4. Il Ritiro di Costello: Miracolosamente, Costello sopravvive all'attentato, subendo solo una ferita superficiale. Dopo l'esperienza traumatica e la crescente pressione delle forze dell'ordine e della politica (in particolare le udienze del Senatore Kefauver), Frank Costello decide di fare un passo indietro, ritirandosi dalla vita mafiosa. Il suo ritiro apre la strada a Genovese, che riesce così a prendere il controllo della famiglia, ribattezzandola "Famiglia Genovese", e consolidando la sua posizione, anche se il suo regno sarà di breve durata a causa di problemi legali successivi.

Il film esplora questo arco storico, mostrando come le ambizioni personali e i tradimenti abbiano rimodellato la struttura della Mafia americana, in un periodo in cui il crimine organizzato cercava di mantenere il suo potere anche di fronte all'attenzione mediatica e governativa.

🌟 Altro: Contesto e Curiosità

• Genere: Biografico, Drammatico, Gangster, Poliziesco, Storico.

• Durata: Circa 123 minuti.

• Contesto Storico: Il film è ambientato in un periodo cruciale per la Mafia, il 1957, l'anno della celebre conferenza di Apalachin e dell'omicidio di Albert Anastasia, eventi che segnarono un momento di forte turbolenza e riorganizzazione interna alle cosche.

• La Scelta del Doppio Ruolo: L'idea di far interpretare a De Niro entrambi i ruoli è stata una mossa audace che sottolinea il contrasto e la complessa "doppia faccia" del potere criminale, e il legame profondo, seppur conflittuale, tra i due uomini. La performance di De Niro è stata attesa come un omaggio alla sua lunga e iconica carriera nel genere gangster.

• Titolo: Il titolo originale, The Alto Knights, si riferisce a un club sociale (spesso usato come copertura dalle attività mafiose) menzionato nelle prime fasi del film.

In sintesi, The Alto Knights - I due volti del crimine è un gangster movie di alto livello che unisce l'esperienza registica di Barry Levinson, la maestria narrativa di Nicholas Pileggi e la potenza interpretativa di Robert De Niro in un doppio ruolo, per raccontare una storia vera e drammatica di potere, ambizione e fratellanza spezzata nel cuore della malavita di New York.

sky/now

👤 L'Elemento Enigmatico e il Cast di Supporto

L'elemento che maggiormente distingue The Rows da un semplice thriller di sopravvivenza è l'inclusione di una misteriosa e inquietante "creatura dorata", nota anche come "L'Uomo della Luna" (The Moon Man), interpretato da Douglas Fries. Questa entità, che sembra abitare "tra le file" del campo di mais, si manifesta per aiutare Lucy.

La figura di The Moon Man è l'aspetto più divisivo del film. Alcuni critici lo hanno visto come un tentativo di introdurre un elemento soprannaturale o di folk horror, un'allusione al Pan's Labyrinth che spezza il realismo brutale dell'inseguimento. Altri lo hanno trovato un elemento narrativo confuso o non pienamente sviluppato, che distrae dalla tensione centrale. In ogni caso, la sua presenza sposta The Rows oltre i confini del semplice slasher, suggerendo che il campo di mais stesso possa avere una sua mitologia oscura.

Dall'altro lato della barricata troviamo i villain, gli assassini mascherati. Tra gli aggressori conosciuti figurano Hans Heilmann (nel ruolo di "Pump") e Rynn Reigns (nel ruolo di "Hammer"), i quali, insieme al loro capo (spesso indicato come Leader, interpretato da Marcus Woods), rappresentano una minaccia fisica implacabile e deumanizzata. Le loro maschere semplici (come un sacco bianco con fori per gli occhi) accrescono il senso di terrore primordiale. Il cast include anche attori come Lara Pictet e Mary Montoya ("Lilia") in ruoli di supporto che contribuiscono a svelare, in parte (soprattutto nel secondo atto più dialogato), il contesto e il perché di questa brutale aggressione, anche se il film è stato notato per la sua reticenza a fornire tutte le risposte.

🎥 Regia, Stile e Analisi Tematica di Seth Daly

Seth Daly, al suo debutto, ha dimostrato una chiara visione stilistica. La scelta di girare in 35mm conferisce al film un look distinto e senza tempo, con una ricca grana e colori saturi che sfruttano le tonalità dorate del mais, un elemento lodato in particolare per la cinematografia di Corey Weintraub. Questa scelta non è solo estetica, ma tematica: l'uso della pellicola evoca una nostalgia per l'horror classico pur applicando una brutalità moderna.

Daly gestisce il ritmo in modo sapiente: il film è descritto come un incrocio tra la tensione implacabile di "Non è un Paese per Vecchi" (No Country for Old Men) e l'orrore isolante di "The Strangers". Il regista utilizza efficacemente il campo di mais non solo come set, ma come un'entità claustrofobica che crea suspense attraverso il suono (il fruscio del vento, i passi che si avvicinano) e la confusione spaziale.

Temi Chiave:

• L'Innocenza in Pericolo: Il cuore del film è la lotta di una bambina contro il male adulto e incomprensibile, un potente motore di empatia e tensione.

• Amnesia e Identità: La ferita alla testa e l'amnesia di Lucy legano il suo trauma personale all'orrore fisico che sta vivendo, rendendo la sua ricerca di una via d'uscita anche una ricerca di sé stessa.

• L'Ambiguità e il Surrealismo: L'introduzione di The Moon Man e la tendenza del film a non fornire risposte chiare su motivazioni e origine (una scelta creativa che Daly abbraccia apertamente) hanno reso The Rows un'esperienza "enigmatica" e volutamente "contorta", premiando gli spettatori disposti ad accettare l'ambiguità.

Nonostante alcuni critici abbiano segnalato che la trama possa perdere un po' di momentum o che il secondo atto (con più dialoghi esplicativi) non sia all'altezza dell'intenso e quasi muto primo atto, la maggior parte ha riconosciuto il talento di Daly nel creare un'atmosfera ansiogena e nel mettere in scena un debutto notevole e pieno di promesse per il futuro. 

MYMOVIESONE

L'Incastro di Joe Rolfe

Il piano del rapimento perfetto ha un effetto collaterale devastante: la polizia trova il furgone rubato e, credendo si tratti di un normale furgone di consegne, arresta l'ignaro autista che di solito lo guida, Joe Rolfe (John Payne).

Joe Rolfe è un ex-militare decorato e un uomo onesto. Nonostante la sua innocenza, viene brutalmente interrogato e malmenato dalla polizia, che è sotto pressione per ritrovare il denaro. L'alibi di Rolfe alla fine regge e la polizia è costretta a rilasciarlo, ma il danno è fatto: Rolfe ha perso il lavoro, la reputazione ed è profondamente segnato dall'ingiustizia e dalla violenza subita.

La Caccia alla Vendetta

Accecato dalla rabbia e deciso a riabilitare il suo nome e punire i veri colpevoli, Rolfe si trasforma in un investigatore. La sua ricerca lo porta a scoprire che uno dei rapinatori, Peter Harris, è fuggito in Messico, a Tijuana.

1. L'Impersonificazione: Dopo una colluttazione in cui Harris muore (ironia della sorte, ucciso dalla polizia per debiti di gioco), Rolfe ha un'intuizione audace: ruba i documenti di Harris e ne assume l'identità.

2. L'Infiltrazione: Usando la metà della carta da gioco di Harris, Rolfe si unisce agli altri due rapinatori (Kane e Romano) e attende il momento della spartizione del bottino, previsto in un resort isolato in Messico, l'Hotel Balatos.

Il Quarto Uomo e la Rivelazione Finale

L'arrivo di Rolfe/Harris scatena una spirale di sospetti, tensioni e tradimenti tra i tre rapinatori, nessuno dei quali si fida dell'altro. Il "Grande Capo", Mr. Big, si rivela essere Tim Foster (Preston Foster), un rispettato ex-Capitano di polizia in pensione, che aveva architettato il colpo per vendicarsi della sua forzata uscita dalla polizia e per arricchirsi. Foster ha manipolato la rapina e l'incastro di Rolfe.

La situazione si complica ulteriormente con l'arrivo della figlia di Foster, Helen (Coleen Gray), una studentessa di legge idealista che si innamora di Joe Rolfe (che lei crede essere Harris), aggiungendo un elemento di conflitto morale alla trama.

Il finale è un crescendo di violenza e colpi di scena sulla barca di Foster, dove si svolge la resa dei conti. Rolfe, pur riuscendo a sgominare la banda e a recuperare il denaro, promette a Foster morente di mantenere il suo segreto, salvando così la reputazione dell'uomo agli occhi della figlia, di cui Joe è ormai innamorato, preparandosi a un futuro insieme.

.

🎥 Regia: Phil Karlson e lo Stile "Hardboiled"

Phil Karlson (1908–1985) è stato un regista associato al lato più duro e hardboiled del Film Noir. La sua regia in Il quarto uomo è nota per:

• Ritmo Incalzante: Il film è girato con un ritmo veloce e implacabile. L'azione si muove rapidamente da Kansas City al Messico, mantenendo costantemente alta la tensione e l'ansia della vendetta.

• Minimalismo Cinico: Karlson sfrutta al meglio il budget ridotto del film, concentrandosi sull'efficacia narrativa piuttosto che sulla spettacolarità. La violenza è presentata in modo diretto e brutale (si pensi alla scena dell'interrogatorio di Rolfe), in linea con il cinismo tipico del Noir.

• Uso dello Spazio: La fotografia in bianco e nero di George E. Diskant è eccellente, utilizzando ombre nette e ambienti claustrofobici o desolati (le strade notturne, il resort messicano isolato) per riflettere lo stato mentale paranoico dei personaggi.

• Temi della Guerra Fredda: Il film, come molti noir dell'epoca, tocca indirettamente i temi dell'identità rubata e della perdita di fede nelle istituzioni (l'ex-capitano di polizia che diventa il criminale, la polizia che tortura un innocente), rispecchiando le ansie della Guerra Fredda e la sfiducia post-bellica.

Karlson ha diretto altri Noir di successo come Scandalo al circo (99 River Street, 1953) e Banditi a Los Angeles (The Phenix City Story, 1955).

legacy e Influenza

Il quarto uomo è un film che ha avuto un'influenza significativa, in particolare sull'uso dell'espediente del gruppo di criminali che non si conoscono e dell'identità mascherata:

• Pietra Angolare del Thriller: Molti critici ritengono che la struttura narrativa e l'idea del colpo organizzato da sconosciuti (ognuno con una parte di un oggetto per l'identificazione) abbia influenzato direttamente film successivi come Le iene (Reservoir Dogs, 1992) di Quentin Tarantino, che ha spesso citato i Noir di serie B come fonte di ispirazione.

• Remake: La forza della trama è tale che il film ha ispirato un remake nel 1957, Criminali contro il mondo (Hold-Up on South Street), e anche una versione moderna, Rapina a mano armata (The Big Steal, 1995).

In conclusione, Il quarto uomo è un B-movie poliziesco;  un Film Noir essenziale, un concentrato di cinismo, tensione e vendetta, diretto con mano ferma da Phil Karlson e sostenuto da una trama eccezionalmente ben costruita che esplora la paranoia e la corruzione dietro la patina di rispettabilità americana post-bellica.

youtube

🎭 Cast e Interpretazioni Principali

Il film si avvale di un cast di attori di spicco del panorama francese, capaci di dare credibilità e sfumature ai personaggi complessi. Le tre protagoniste sono interpretate da attrici acclamate: India Hair nel ruolo di Joan, Camille Cottin in quello di Alice e Sara Forestier in quello di Rebecca. Al loro fianco, attori come Grégoire Ludig (Éric), Vincent Macaigne (Victor Harzouian) e Damien Bonnard (Thomas Duval) completano il sestetto al centro degli intrecci.

Le tre attrici offrono ritratti differenziati di donne che affrontano l'amore con filosofie diverse: Joan è tormentata dalla ricerca dell'onestà; Alice cerca la stabilità a discapito della passione, vivendo nell'autoinganno; mentre Rebecca incarna l'irruenza passionale, il "ciclone" che irrompe nell'equilibrio apparente degli altri.

📝 Trama Dettagliata

La storia si concentra sulle vite interconnesse di tre amiche quarantenni – Joan, Alice e Rebecca – e sui loro labirintici percorsi sentimentali.

L'Inizio del Malessere Morale: Il punto di partenza è il tormento interiore di Joan. Lei non è più innamorata del suo compagno, Victor, ma la sua profonda onestà la fa soffrire all'idea di continuare a vivere nella menzogna. Confida il suo dilemma ad Alice, la quale, con un'aria di rassegnata saggezza, minimizza la cosa. Alice le spiega che la passione non è necessaria per una relazione felice; lei stessa non prova più la "passione" per il marito Éric, eppure il loro rapporto è solido e va a gonfie vele. Questo consiglio, intriso di autoinganno, serve momentaneamente a rassicurare Joan.

Il Segreto e il Tradimento Silenzioso: La trama prende una piega più complessa per lo spettatore, che è reso consapevole di una verità che Alice ignora: Éric, il marito che lei ritiene un partner fedele anche se non passionale, ha in realtà una relazione clandestina con Rebecca, la loro amica comune. Rebecca è presentata come la figura più sregolata e passionale del trio, che con la sua presenza minaccia l'equilibrio apparente degli altri personaggi.

La Decisione e la Scomparsa di Victor: Stanca della sua disonestà e spinta dal desiderio di chiarezza, Joan trova finalmente il coraggio di troncare definitivamente la sua relazione con Victor. La sua decisione, tuttavia, innesca un evento inaspettato e drammatico: Victor scompare nel nulla, senza lasciare tracce.

Le Conseguenze e le Rivelazioni: La ricerca di Victor sconvolge le vite di tutti i personaggi e costringe le tre amiche e i loro compagni a confrontarsi con le loro scelte, le loro bugie e i loro veri sentimenti. L'amicizia tra le tre donne, apparentemente incrollabile, viene messa alla prova dalle verità celate. La relazione segreta tra Éric e Rebecca, che prima era una minaccia latente per l'unione di Alice, rischia di emergere, portando a un inevitabile confronto e alla ridefinizione dei legami. Il film si trasforma in un vero e proprio valzer di coppie, dove le carte dei sentimenti vengono rimescolate continuamente, e dove l'amore si manifesta nelle sue forme più volatili, complesse e a volte crudeli.

💖 Tematiche e Stile

Lo stile di Mouret è caratterizzato da una leggerezza apparente che nasconde una profonda riflessione filosofica.

• L'Amore e il Desiderio vs. L'Onestà: La tematica centrale è la tensione tra l'ideale romantico (la passione, l'amore eterno) e la realtà delle relazioni umane (il tradimento, la disonestà, l'abitudine). Il film esplora il confine labile tra ciò che si desidera e ciò che si è disposti ad accettare per mantenere un'illusione di stabilità.

• La Goffaggine Umana: Il regista stesso ha sottolineato come il film mostri una "goffaggine crudele ma costruttiva che fa parte della nostra condizione umana, essere sommersi da storie, ideali e desideri tanto quanto dai colpi di fortuna e dai pericoli della realtà."

• Tono: Nonostante i temi drammatici, il tono rimane quello della commedia sentimentale brillante, ricca di dialoghi eleganti e situazioni ironiche, tipiche del cinema francese di alto livello.

🌟 Ricezione e Importanza

"Tre amiche" è stato accolto positivamente dalla critica per la sua grazia nella scrittura e la naturalezza della storia. Il film è stato selezionato per la sezione In Concorso alla Mostra del Cinema di Venezia 2024, confermando la posizione di Mouret come autore di rilievo internazionale e maestro nell'esplorare il labirinto dei sentimenti.

sky

🎥 Regia: La Visione di Werner Herzog

Werner Herzog, maestro del cinema tedesco e mondiale, noto per film d'avventura estrema e documentari ipnotici, accetta la regia di questo progetto su commissione. Nonostante ciò, infonde nell'opera il suo tocco inconfondibile:

• Estetica Allucinata: Herzog cattura perfettamente lo stato mentale alterato di Terence McDonagh. Il film è intriso di un'atmosfera lisergica e allucinatoria, accentuata dalle inquadrature soggettive e dall'uso particolare della macchina da presa, come nelle celebri sequenze delle iguane e dei coccodrilli (animali ricorrenti nell'immaginario del regista) che appaiono in momenti chiave, simboli di un delirio che sconfina nel surreale.

• New Orleans Post-Katrina: La città di New Orleans, ferita e ancora segnata dal disastro dell'uragano Katrina, non è solo uno sfondo, ma un personaggio a sé stante. I luoghi degradati, l'atmosfera umida e caotica, rispecchiano il marciume interiore e il disordine morale del protagonista.

• Tono Grottesco e "Cartoonesco": Herzog sceglie un approccio più leggero, quasi da black comedy, rispetto alla brutalità nichilista di Ferrara. Il film si presenta come un viaggio folle e a tratti divertente, in cui il personaggio di Cage sembra "fluttuare al di sopra di tutto", un superuomo autodistruttivo che, contro ogni logica, riesce sempre a cavarsela. Il regista stesso ha definito il film una "fantasia operistica" o un "grottesco poliziesco".

🌟 Attori: Nicolas Cage, l'Antieroe Istrionico

Il successo e l'identità del film sono indissolubilmente legati alla performance di Nicolas Cage.

• Nicolas Cage (Tenente Terence McDonagh): La prova di Cage è stata universalmente acclamata come una delle migliori della sua carriera recente, in grado di liberarsi dalle pastoie di ruoli più convenzionali. L'attore incarna il Tenente McDonagh con la sua caratteristica strafottenza mimica e gestuale, un'esagerazione "screanzata" che rende il personaggio al tempo stesso repulsivo e irresistibilmente carismatico. La sua interpretazione è un turbine di tic, occhiate folli, postura curva per il dolore e urla incontrollabili, perfettamente in sintonia con il tono delirante voluto da Herzog.

• Eva Mendes (Frankie Donnenfeld): Interpreta Frankie, una prostituta di lusso nonché l'interesse amoroso (e "compagna di sballo") di Terence. Il suo ruolo è fondamentale per offrire un raro spiraglio di umanità nel caos del protagonista.

• Val Kilmer (Detective Stevie Pruit): Il partner di Terence, che rappresenta la parte ancora (relativamente) funzionale delle forze dell'ordine.

• Cast di Supporto: Il film vanta un cast solido e noto, tra cui Jennifer Coolidge (Genevieve, la matrigna di Terence), Brad Dourif (Ned Schoenholtz, il suo allibratore) e Michael Shannon (Mundt, un poliziotto degli affari interni), che contribuiscono a popolare l'universo bizzarro e disfunzionale di New Orleans.

🔎 Curiosità e Aspetti Critici

• La Contesa con Abel Ferrara: Come accennato, il regista del film originale, Abel Ferrara, espresse pubblicamente il suo disprezzo per l'operazione, definendola un affronto e affermando che non voleva nemmeno che Herzog o Cage pronunciassero il titolo del suo film. Herzog, al contrario, ha sempre minimizzato il collegamento. Nonostante le ruggini iniziali, i due registi si sono incontrati e chiariti anni dopo in un festival cinematografico.

• Rapporto con l'Originale: Mentre l'originale di Ferrara era un'indagine spirituale e nichilista sulla colpa e la redenzione cattolica, con un poliziotto (Harvey Keitel) che precipita nel fango a seguito della vicenda di una suora stuprata, l'opera di Herzog è più interessata alla poetica della follia e del superomismo (auto)distruttivo, con un'attenzione minore all'aspetto morale e maggiore al delirio psichedelico.

• Accoglienza: Presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, il film ha diviso la critica, ma ha ottenuto un forte sostegno per la performance di Cage, che ha vinto il Toronto Film Critics Association Award per la Miglior Performance Maschile. Nonostante un budget modesto ($25 milioni), il film non è stato un grande successo al botteghino, ma è diventato rapidamente un cult movie grazie alla sua unicità.

In sintesi, "Il cattivo tenente - Ultima chiamata New Orleans" è un'opera singolare e potente: un poliziesco corrotto che si trasforma in un incubo grottesco e iperbolico, interamente plasmato dalla visione lisergica di Werner Herzog e dalla performance indimenticabile e senza freni di Nicolas Cage. Non è un film sulla giustizia, ma sulla sopravvivenza caotica di un uomo che è andato oltre ogni limite.

mubi

.

🎥 Regia e Stile di Jacques Audiard

Jacques Audiard, regista francese noto per il suo stile intenso e penetrante, firma con "Il profeta" (il suo quinto lungometraggio) quello che è considerato da molti il suo capolavoro.

Un Cinema Crudo e Immersivo

Audiard adotta un approccio iperrealista e viscerale, che immerge lo spettatore nella claustrofobica e violenta realtà del carcere.

• Realismo Documentaristico: La regia è cruda e tesa, focalizzata sui dettagli della vita carceraria: i corridoi angusti, la violenza improvvisa, le dinamiche di potere sottili e manifeste. Audiard usa spesso la telecamera a mano e una fotografia granulosa (curata da Stéphane Fontaine) per accentuare il senso di prigionia e urgenza.

• Temi della Metamorfosi: Il cuore del film è la metamorfosi di Malik, il suo passaggio da "preda a predatore". Audiard usa il carcere come metafora della società, un luogo in cui si impara a sopravvivere solo attraverso l'adattamento, l'apprendimento e il cambiamento radicale della propria "pelle".

• Dimensione Metaforica/Misticta: L'inserimento del fantasma di Reyeb rompe la rigidità del realismo, introducendo un elemento quasi magico o spirituale. Questo non è solo un espediente per mostrare il trauma di Malik, ma un modo per suggerire la sua natura "profetica", la sua capacità di vedere in anticipo e di manovrare il destino, che è la vera chiave del potere.

Il montaggio (di Juliette Welfling) è serrato e contribuisce a mantenere una tensione costante per le quasi due ore e mezza di durata. Le sequenze di violenza sono brevi, scioccanti e prive di spettacolarizzazione, rendendo il film duro e tesissimo.

🎭 Cast Principale: Attori e Interpretazioni

Il successo de "Il profeta" è in gran parte dovuto alla forza delle sue interpretazioni, in particolare del duetto protagonista.

Tahar Rahim: Malik El Djebena

L'attore franco-algerino Tahar Rahim ha ricevuto plausi internazionali per la sua interpretazione di Malik. All'epoca era un volto relativamente sconosciuto, e il suo casting ha garantito l'autenticità e la freschezza necessarie per un personaggio che deve evolvere radicalmente.

Rahim rende in modo magistrale la trasformazione fisica ed emotiva di Malik:

• Inizialmente è un ragazzo quasi infantile, con occhi spaesati e un corpo fragile, che cerca di rendersi invisibile.

• Gradualmente, acquisisce durezza, astuzia e freddezza, diventando una figura imponente e risoluta. La sua performance è stata premiata con il Premio César per il Miglior Attore e la Migliore Promessa Maschile.

Niels Arestrup: César Luciani

Il veterano attore francese Niels Arestrup offre una performance straordinaria nei panni di César Luciani, il boss corso.

• Luciani è un personaggio d'altri tempi, un boss all'antica che incarna il vecchio potere e l'autorità razzista e territoriale. È carismatico, spietato, ma anche un po' obsoleto.

• Il rapporto tra Luciani e Malik è un complesso studio di potere, sottomissione e, in un senso contorto, di paternità forzata. Luciani è il suo mentore involontario, l'insegnante di Malik, che alla fine viene superato e detronizzato dal suo stesso allievo. Arestrup ha vinto il Premio César per il Miglior Attore Non Protagonista.

Altri Attori Chiave

• Adel Bencherif (Ryad) è fondamentale per l'espansione degli affari di Malik al di fuori del carcere.

• Reda Kateb (Jordi lo zingaro) e Hichem Yacoubi (Reyeb) contribuiscono alla forza del cast corale.

🏆 Riconoscimenti e Impronta Culturale

"Il profeta" è stato un successo di critica e pubblico a livello globale, consolidando la reputazione di Jacques Audiard come uno dei principali registi europei.

Premi Principali

• Festival di Cannes 2009: Ha vinto il Grand Prix Speciale della Giuria.

• Premi César 2010: Un trionfo assoluto, conquistando nove premi, tra cui Miglior Film, Miglior Regista (Jacques Audiard), Miglior Attore (Tahar Rahim) e Miglior Attore Non Protagonista (Niels Arestrup).

• Premi Oscar 2010: Candidato come Miglior Film Straniero (perdendo contro Il nastro bianco di Michael Haneke).

• Golden Globe 2010: Candidato come Miglior Film Straniero.

Tematiche e Impatto

Il film è stato ampiamente elogiato per la sua capacità di unire il rigore del cinema di genere (il prison-movie) con un profondo ritratto sociale e psicologico. Le tematiche centrali includono:

1. Immigrazione e Integrazione: Malik è un beur (francese di origine maghrebina), che in carcere si trova tra il martello (i corsi) e l'incudine (i detenuti musulmani). La sua ascesa è una critica amara sull'integrazione: l'unica via per un giovane emarginato verso il potere e il rispetto è attraverso il crimine organizzato.

2. L'Istituzione Carceraria: Il film è uno dei ritratti più realistici e disincantati delle prigioni moderne, mostrando come il vero potere non risieda nelle guardie o nelle regole ufficiali, ma nelle gerarchie criminali interne e nel commercio illecito.

3. Il Romanzo di Formazione: È l'esempio perfetto di un bildungsroman al negativo, in cui la crescita personale non porta alla redenzione o al bene, ma alla maestria nel male e nella manipolazione.

Con la sua potenza narrativa e la profondità dei personaggi, "Il profeta" è diventato un punto di riferimento nel cinema contemporaneo, analizzando le oscure vie del potere e della sopravvivenza in un contesto di totale marginalità sociale.

PARAMOUNT+

🎬 Regia, Stile e Impatto Visivo

La direzione di Iain Softley è la chiave del tono unico di Hackers.

Estetica Cyberpunk e Post-Grunge

Softley non cerca il realismo tecnico, ma crea una favola cyberpunk con uno stile visivo esagerato e decisamente anni '90.

• Cyber-Spazi Esagerati: L'aspetto più iconico della regia è la rappresentazione visiva dell'hacking. Quando i personaggi navigano nei sistemi, lo spettatore viene trasportato in un mondo 3D stilizzato e futuristico (ispirato al lavoro di artisti come Syd Mead), in cui codici e dati sono rappresentati come paesaggi urbani digitali o astratti. Questa estetica, sebbene tecnologicamente ingenua, è stata cruciale per rendere visivamente interessante un'attività altrimenti statica.

• Moda e Controcultura: Il look dei personaggi è un mix esasperato di moda rave, punk e grunge dell'epoca: capelli colorati, abiti in vinile, occhiali da sole assurdi e un'abbondanza di piercing. Il film celebra la controcultura digitale e la ribellione giovanile, ritraendo gli hacker non come nerd isolati, ma come rockstar dell'era digitale.

• Ritmo da Videoclip: Softley, noto per aver diretto Backbeat sui Beatles, adotta un ritmo serrato e un montaggio da videoclip, in linea con la cultura giovanile dell'epoca.

Analisi Tecnica vs. Narrativa

Molti critici hanno sottolineato l'imprecisione tecnica del film, che spesso confondeva l'hacking con il phreaking (l'hacking telefonico) e si basava su nozioni molto superficiali di sicurezza informatica.

La vera forza del film non sta nella sua accuratezza, ma nel suo ruolo di precursore nel portare la cultura di Internet e i temi della sicurezza informatica nel mainstream, presentandoli come una battaglia epica tra la libertà digitale e il controllo aziendale.

🎭 Cast: Un Veloce Lancio di Carriere

Il cast di Hackers è notevole per aver incluso diverse giovani promesse che in seguito hanno avuto carriere di successo.

• Angelina Jolie (Kate Libby / "Acid Burn"): La sua performance è energica e iconica. Il personaggio di Kate è forte, intelligente e sessualmente audace, sfidando lo stereotipo del geek maschile. La sua presenza è stata fondamentale per l'impatto visivo e l'attrattiva del film.

• Jonny Lee Miller (Dade Murphy / "Crash Override"): Miller offre una performance convincente nel ruolo del protagonista, l'hacker con un passato ingombrante e un codice d'onore.

• Matthew Lillard (Emmanuel Goldstein / "Cereal Killer"): Lillard fornisce gran parte del sollievo comico del film, incarnando un hacker esuberante e caotico, il cui alias è un omaggio a un personaggio anti-establishment di 1984 di George Orwell.

• Fisher Stevens (Eugene Belford / "The Plague"): Stevens, nel ruolo dell'antagonista adulto, ritrae il lato oscuro dell'hacking: il genio corrotto che usa le sue capacità per il guadagno personale e la distruzione.

• Lorraine Bracco (Margo): L'attrice, nota per Quei bravi ragazzi, interpreta un piccolo ruolo come Margo, una sorta di mediatrice tra i ragazzi e il mondo esterno.

🎶 Colonna Sonora e Eredità Culturale

L'influenza di Hackers va oltre la sua trama e la sua estetica, radicandosi profondamente nella cultura giovanile digitale.

La Colonna Sonora Elettronica

La colonna sonora è un elemento cruciale, poiché definisce l'atmosfera del film. Il regista Softley voleva che il film fosse il "rock 'n' roll della prossima generazione" e scelse di conseguenza un sound che riflettesse l'energia del mondo digitale emergente:

• È composta quasi interamente da musica elettronica, techno e dance di artisti di spicco dell'epoca, come The Prodigy, Orbital, Underworld, Leftfield e Massive Attack.

• Tracce come Halcyon + On + On degli Orbital sono diventate indissolubilmente legate alle scene chiave del film, creando un vero e proprio audio-visual time capsule degli anni '90.

Eredità Culturale: "Hack the Planet!"

Nonostante le critiche iniziali e la scarsa fedeltà tecnica, Hackers ha lasciato un'eredità duratura:

1. Icona Cult: È un film che i fan dell'informatica e della cultura cyberpunk hanno abbracciato come una celebrazione della loro subcultura. La frase d'ordine del film, "Hack the Planet!", è diventata un motto.

2. Rottura di Stereotipi: Ha contribuito, nel bene e nel male, a glamorizzare l'immagine dell'hacker, trasformandolo da recluso a figura ribelle e cool.

3. Precursore di Temi: Ha preceduto film di successo come Matrix (1999) e ha contribuito a spianare la strada a narrazioni cinematografiche centrate sul conflitto tra il potere aziendale/governativo e la libertà individuale nell'era di Internet.

In sintesi, "Hackers" è un'opera cinematografica che va vista non come un thriller di hacking rigoroso, ma come una stilosa, esuberante e nostalgica capsula del tempo che cattura l'ottimismo, la ribellione e l'eccitazione che circondavano l'emergere di Internet e della cultura digitale a metà degli anni '90.

MGM+

🎬 Regia e Stile di Mel Brooks

Mel Brooks (al suo primo film in oltre un decennio) è sinonimo di un particolare stile di commedia, che raggiunge il suo apice in Un uomo in calzamaglia.

Il Marchio di Fabbrica: Satira e Quarta Parete

Il film è una dimostrazione perfetta del "Brooks touch":

• Parodia Totale: L'obiettivo non è solo raccontare una storia, ma distruggerla attraverso l'esagerazione e l'assurdo. Ogni cliché del film d'avventura è sovvertito. In questo caso, Brooks prende in giro non solo Principe dei ladri, ma anche Robin Hood - La leggenda di Sherwood (1938) e persino la sua stessa opera precedente, Mezzogiorno e mezzo di fuoco (1974).

• Rompere la Quarta Parete: I personaggi sono costantemente consapevoli di essere in un film. Fanno battute sul budget limitato (il falso viaggio in Inghilterra), commentano la sceneggiatura ("Lascia stare, è solo una parodia"), e si rivolgono direttamente al pubblico o al regista. Questo è un elemento fondamentale della comicità Brooksiana.

• Umorismo Veloce e Multilivello: La comicità spazia dal slapstick visivo (Blinkin che sbatte ovunque), alla battuta intelligente, al doppio senso volgare, al Yiddish Humor (leggi ebraiche e battute auto-ironiche portate avanti da Rabbi Tuckman).

• Musicalità: Come spesso accade nei suoi film, Brooks inserisce numeri musicali brillanti e ridicoli, tra cui il memorabile "Men in Tights" (una parodia delle canzoni di successo e dei video musicali), che è cruciale per l'energia e il tono camp del film.

🎭 Cast: Veterani e Nuove Promesse

Il cast è un mix di attori noti e volti emergenti, molti dei quali hanno dimostrato un timing comico perfetto.

• Cary Elwes (Robin Hood): Elwes, noto per La storia fantastica (1987), dimostra una notevole capacità di fare l'eroe con la faccia seria mentre pronuncia battute stupide. La sua interpretazione è una parodia diretta di attori seriosi come Errol Flynn e in particolare Kevin Costner, prendendo in giro il suo accento inconsistente in Principe dei ladri.

• Richard Lewis (Principe Giovanni): Lewis, un noto stand-up comedian americano, porta il suo stile nevrotico e autoderisorio nel ruolo del Principe Giovanni, ossessionato dal suo "neo" gigante e dalle macchinazioni fallimentari.

• Roger Rees (Sceriffo di Ruttingham): Rees, attore di teatro serio, offre una performance esilarante come lo Sceriffo, un cattivo melodrammatico e incompetente, che contribuisce enormemente al successo comico del film.

• Amy Yasbeck (Lady Marian): Yasbeck è l'ideale controparte romantica, bella ma costantemente ridicola a causa della sua cintura di castità.

• Dave Chappelle (Achoo): Per il futuro gigante della stand-up comedy, Dave Chappelle, è stato uno dei suoi primi ruoli cinematografici di rilievo. La sua interpretazione del personaggio, che fornisce battute moderne e ironiche sulla diversità culturale, ha risonanza ancora oggi.

Mel Brooks (Cameo)

Come da tradizione, Mel Brooks si ritaglia un ruolo di supporto, il Rabbino Tuckman (Rabbi Tuckman), un riferimento umoristico al personaggio di Fra' Tuck. Questo cameo non solo è esilarante, ma rafforza l'identità ebraica e l'umorismo auto-ironico, spesso presenti nel suo lavoro.

🎉 Riconoscimenti e Impronta Culturale

Sebbene non abbia raggiunto i picchi di critica dei suoi classici come Frankenstein Junior o Balle Spaziali, "Robin Hood - Un uomo in calzamaglia" è stato un buon successo commerciale e un successo cult duraturo.

• Successo a lungo termine: Il film è diventato un pilastro della programmazione televisiva comica e dello streaming, amato per la sua natura leggera, i giochi di parole demenziali e la sua abilità di prendersi in giro.

• Citazioni: Diverse battute e scene del film (come "Siamo Uomini... Uomini in Calzamaglia!" o le gag sullo sceriffo che ordina di "annullare il servizio di catering") sono entrate nel lessico popolare, specialmente tra i fan della commedia anni '90.

In sintesi, "Robin Hood - Un uomo in calzamaglia" non è solo una parodia; è una celebrazione dell'umorismo assurdo e auto-referenziale. Mel Brooks ha preso una delle leggende più durature della cultura occidentale e l'ha trasformata in un trionfo della stupidità calcolata, un must per tutti gli amanti della commedia demenziale di alta scuola.

netflix